Taro Okamoto e o Polarismo na Arte: Camadas Multiculturais Escondidas Dentro das Nações

Porque Taro Okamoto ainda importa hoje

Uma vigorosa retrospectiva em Paris, no verão passado, devolveu Taro Okamoto ao centro do debate artístico mundial. O pioneiro da vanguarda japonesa defendeu, em meados do século XX, que a arte cresce quando os opostos colidem. Chamou a esta ideia polarismo. A proposta não pedia uma harmonia nem uma síntese elegante. Exigia fricção, choque e vitalidade. Essa posição parece atual num momento em que as identidades culturais estão a ser renegociadas em galerias, espaços online, salas de aula e praças públicas. Okamoto pediu a artistas e público que deixassem de tratar a tradição como um manual de museus e que procurassem energia em lugares há muito considerados marginais ou primitivos.

Insistiu também que uma nação nunca é uma coisa só. O Japão, disse, carregava pelo menos duas poderosas linhagens estéticas que raramente coabitavam. Uma favorece a refinamento e a contenção, o gosto hoje conhecido como wabi sabi. A outra é mais antiga, mais ruidosa e indomada, visível nas espirais selvagens da cerâmica Jomon e nas enigmáticas figuras dogu. Esse argumento fala para debates muito para além do Japão. Muitos países apresentam um rosto de unidade enquanto guardam formas de ver enterradas, até opostas. O momento é propício para revisitarmos Okamoto. O Japão prepara a Expo 2025 em Osaka, enquanto os moradores mais velhos recordam a Expo 70, quando Okamoto criou a Torre do Sol. Uma nova feira internacional receberá milhões de visitantes entre 13 de abril e 13 de outubro de 2025, com um tema centrado no design da vida. A conversa sobre como apresentar a identidade nacional a um público global regressou.

O que o polarismo significa na arte

O polarismo tomou forma numa conferência de 1950, onde Okamoto rejeitou a ideia de que a arte tem de reconciliar influências num acordo pacífico. Propôs que forças em conflito podem coexistir numa única obra, cada uma mantida viva pela outra. O artista não procura equilíbrio pelo próprio equilíbrio. O artista cultiva a tensão. Isto não era nihilismo. Era uma ética da vitalidade. Okamoto trouxe lições do surrealismo em Paris e dos seus estudos de antropologia. Sabia que a vida moderna é um emaranhado de velocidades, tecnologias e memórias. Em vez de lixar essas contradições, o polarismo transforma-as em fonte de forma.

Contra a harmonia fácil

No Japão de meados do século, a ideia de harmonia tinha um peso especial. O wabi sabi, o gosto ligado à estética da cerimónia do chá e à prática zen, valorizava a irregularidade, a pátina e o silêncio. Tornou-se também um atalho conveniente para o carácter nacional. Okamoto temia que esta narrativa única se tivesse endurecido numa norma. Quando uma cultura começa a selecionar apenas o que serve à disposição preferida, argumentou, os artistas deixam de ver a totalidade da sua herança. O polarismo atravessava essa tendência. Pedia aos espectadores que estivessem atentos a coisas belas que não combinam.

A discórdia como energia criativa

As telas e esculturas de Okamoto não procuram um acordo cortês. As cores rebentam, as formas torcem-se, os rostos sorriem com malícia ou com alegria. Acreditava que a colisão podia gerar novos mitos para uma sociedade de pós-guerra. Num atelier, a discórdia pode ser um método. Trazer duas línguas para uma única composição. Colocar um motivo cerimonial ao lado de um acidente industrial. Deixar que um material cicatrize outro. A fricção resultante pode transportar uma carga que o bom gosto não consegue fornecer.

Quebrando o feitiço do wabi sabi

Em 1952, Okamoto instou os artistas a quebrarem o feitiço do wabi sabi. Não o desprezou como fraco ou falso. Argumentou que se havia tornado demasiado dominante. O gosto pela contenção sufocara outras energias nativas. Apontou para uma linhagem mais silenciosa e clássica, associada à cerâmica da era Yayoi. Apontou também para uma muito mais antiga, a tradição Jomon, onde a argila cozida irrompe em cordas, chamas e protuberâncias. O contraste era nítido: refinamento e repouso de um lado, exuberância e excesso do outro.

Ao devolver essa segunda linhagem à atenção, Okamoto ofereceu um mapa a artistas que se sentiam presos dentro de uma única disposição nacional. Disse-lhes que estudassem as partes do passado que parecem estranhas e que deixassem essas forças sacudirem a sua prática. O objetivo não era a viagem no tempo. Era a renovação. A sua provocação ainda ajuda jovens artistas que lidam com o que as instituições esperam das etiquetas japonesas, irlandesas, mexicanas ou outras.

A vitalidade Jomon e os ecos pré-históricos

Os vasos Jomon podem parecer criaturas vivas. Cordas grossas de argila contornam e sobem. Aberturas abrem-se como chamas. A superfície estremece de nós e cristas. Pequenas estatuetas, frequentemente femininas ou animais, fitam-nos com olhos desorbitados. Os arqueólogos chamam-lhes dogu. Para Okamoto, estas formas tinham dois dons. Guardavam memórias de ritual e de terra. Carregavam também um feroz senso de invenção que correspondia aos desejos modernos de espontaneidade e choque.

Ver a obra Jomon como moderna foi um gesto radical nos anos 50. Desafiou a presunção de que o futuro da arte japonesa devia assentar num minimalismo cortês. Okamoto disse que o passado contém muitos futuros, e que um deles é áspero, ruidoso e cheio de calor. Muitos museus apresentam hoje objetos Jomon ao lado de instalações contemporâneas, uma perspetiva curatorial que muito deve a este argumento.

México, laços pré-colombianos e um modernismo global

Em 1967, Okamoto viajou para o México. Explorou cidades antigas e coleções de museus e começou a rastrear afinidades entre o Japão pré-histórico e a Mesoamérica. Viu um parentesco na forma como a escultura ritual apodera-se do espaço e no prazer que ambas as tradições tiram dos seres compostos. Não reivindicava uma linha direta de influência. Procurava energias, o pulso que salta quando uma forma retém dois estados ao mesmo tempo, o sagrado e o lúdico, o humano e o animal.

A viagem caiu num momento fértil. A arte de pós-guerra era cada vez mais global na prática e no debate. Artistas mexicanos, incluindo figuras à volta do escultor e pensador Mathias Goeritz, testavam como a história e a emoção podiam moldar o espaço público. Em toda a Ásia e na América Latina, os artistas recusaram aceitar uma única narrativa que corresse de Paris a Nova Iorque. A investigação de Okamoto sobre o México inseriu-se nessa mudança, um movimento para construir uma linguagem moderna a partir de muitos arquivos e não de um só.

Nacionalismo cultural e o mito da homogeneidade

A crítica de Okamoto opôs-se a uma corrente de nacionalismo cultural que transforma uma estética em distintivo nacional. O Japão debate há muito como deve uma cultura partilhada ser apresentada aos vizinhos e ao mundo. Esses debates estendem-se da política pública da era Meiji aos anos de pós-guerra e até ao presente. O apelo de uma narrativa organizada é forte. Uma narrativa organizada viaja facilmente. Pode também prender os artistas num guião estreito daquilo que parece japonês.

O registo da cultura japonesa é desordenado e rico, com poesia cortesã, teatro, arte budista iconográfica, casas de chá, humor mercantil e imagens de festivais populares a puxarem uns para os outros. Okamoto pediu ao público que aceitasse essa desordem como uma força. As culturas, como as pessoas, carregam impulsos concorrentes. Quando um conjunto de valores domina, outro permanece, à espera de ser redescoberto. Ver essa realidade em camadas abre espaço a novo trabalho e a uma ideia mais ampla do que a identidade nacional pode ser.

Irlanda, México e os muitos eus de uma nação

Considere-se a Irlanda no final do século XX. O Estado apresentou uma imagem conservadora, católica e agrária durante grande parte da sua vida moderna. As instituições públicas e os meios de comunicação reforçavam esse enquadramento. Por baixo jazia uma herança mais antiga e mais indisciplinada: histórias pagãs, política radical e uma fome de sofisticação urbana. Nos anos 70, Seamus Heaney escreveu poemas sobre corpos da Idade do Ferro erguidos das turfeiras. Essas imagens soavam como uma mensagem do profundo passado. Apontavam também para mudanças que viriam à superfície nos anos 90, quando a garra da Igreja se afrouxou.

Considere-se o México, uma sociedade que Octavio Paz descreveu como uma fusão nascida da conquista. A grelha do poder asteca encontrou o feroz fervor católico da Espanha contra-reformista. Mesmo dentro desse mundo espanhol havia correntes cruzadas: um impulso de expulsar o Islão combinado com um hábito de absorver saberes e estilos das cortes muçulmanas. O México aprendeu a mover-se entre códigos, entre a ordem cerimonial e a libertação carnavalesca, entre o rosto público e a máscara privada. Okamoto viu esta capacidade de alternar entre heranças como uma espécie de treino cultural para a vida moderna.

Da Expo 70 à Expo 2025: uma herança viva

Okamoto alcançou o público mais vasto na Expo 70, em Osaka, com a Torre do Sol. A escultura ergue-se a mais de 60 metros, um totem com rostos que olham para o passado, o presente e o futuro. lá dentro, uma monumental Árvore da Vida sobe pelo núcleo. A obra é um manifesto em betão e aço. Recusa uma única disposição. Fusiona simbolismo primal com otimismo futurista e um sentido carnavalesco de espectáculo.

À medida que Osaka se prepara para a Expo 2025, a memória dessa feira anterior paira grande. Os organizadores esperam mais de 28 milhões de visitas ao longo de seis meses. O local ficará numa ilha artificial, o tema apontará para a forma como moldamos a vida e os designers falam em protótipos de carros voadores. Muitos moradores recordam a Expo 70 como a primeira vez que encontraram pessoas de dezenas de países num só lugar. A nova cheira chega depois de anos de ansiedade pandémica e de debate sobre grandes eventos. Oferece também um novo teste de como o Japão se apresenta ao mundo.

Okamoto costumava apresentar o seu credo em público, uma frase que entrou na cultura popular e que ainda captura a sua busca de energia em vez de decoro. Como criador da Torre do Sol, tornou-se num símbolo da reinvenção de pós-guerra que instou as pessoas a demolir o gosto rancio e a abraçar a contradição.

Arte é explosão.

Essa frase não era um apelo ao caos. Era uma exigência de coragem. Num mundo de acordo suave, são necessárias faíscas. A Torre do Sol ainda se ergue no antigo local da Expo, um lembrete de que a arte pública pode acolher correntes opostas sem pedir desculpa.

Como artistas e instituições podem trabalhar com a contradição

A lição para os artistas de hoje é prática. Procure no seu campo as linhagens que foram marginalizadas. Estude-as com cuidado. Traz essas formas para diálogo com as partes da sua formação que parecem inabaláveis. Mantenha ambas em vista. Resista ao instinto de resolver demasiado depressa. A nova estrutura nasce frequentemente da fricção lenta de partes desiguais a trabalharem uma na outra.

As instituições enfrentam uma tarefa relacionada. Museus e festivais podem alargar o enquadramento do que conta como arte nacional, programando linhagens esquecidas ao lado de referências familiares. Os críticos podem descrever a diferença sem a transformar em exotismo. Os educadores podem mostrar aos alunos como a cultura contém argumentos que atravessam séculos. A recompensa é uma obra que está viva perante a história e viva perante o presente.

O essencial

• Okamoto definiu o polarismo como a coexistência criativa de elementos opostos dentro de uma única obra de arte.
• Em 1952 instou os artistas a olharem para além do wabi sabi e a reativarem a energia dinâmica das formas Jomon.
• Uma viagem ao México em 1967 levou-o a explorar paralelos entre o Japão pré-histórico e a Mesoamérica, parte de uma mudança mais ampla de pós-guerra em direção à arte moderna global.
• A Torre do Sol na Expo 70 materializa as suas ideias, unindo imagens primais a um otimismo futurista.
• A Expo 2025 em Osaka decorre de 13 de abril a 13 de outubro, com expectativas de mais de 28 milhões de visitas e um tema centrado no design da vida.
• Okamoto tratou as nações como culturas em camadas onde tradições enterradas podem contradizer o gosto oficial.
• Exemplos da Irlanda e do México mostram como uma sociedade pode alternar entre diferentes heranças que convivem dentro da mesma narrativa nacional.
• Artistas, museus e educadores podem aplicar o polarismo colocando linhagens esquecidas ao lado de familiares para inspirar nova obra.